Introducción:
Hoy comenzamos con una serie de artículos para comprender lo básico e ir profundizando en la corrección de color ayudándonos con material y ejemplos. La finalidad sobre todo es para aclarar algunos conceptos e ideas que veo imprescindible dominar. Espero que sirvan estos artículos para saber lo que hacemos con conocimiento de causa antes de empezar a trabajar en aspectos más avanzados y complejos y que no acabe la gente corriendo como pollos sin cabeza a la hora de afrontar un trabajo o proyecto.
Se intentará dar respuestas desde lo básico ¿Qué es la corrección de color o un grade? ¿Hay que realizarla siempre? ¿Quien dicta el look…? ¿Que es un Colorcast? ¿Que son los “memory colors”? ¿Objetivos de la corrección de color? ¿Orange&Teal, BleachByPass…? a temas “¿Cómo y con que finalidad animar un efecto?”, “el uso de las viñetas”, “¿Que es una corrección primaria y una secundaria?”, filtros y plugins, MFO…
No se usará un software en concreto, ya que cada programa de corrección de color a pesar de tener unas características y herramientas distintas cada uno con sus peculiaridades, las herramientas básicas (el corazón de todo soft de corrección de color) para las correcciones de color e ideas o trabajo sirven para la mayoría, que no es otra que corregir errores y mejorar la imagen aunque tengas un interface diferente.
Color Correction 101:
- ¿Corrección de color o look?
Lo primero es diferenciar la corrección de color de look o grade. Aunque las dos opciones están dentro del ámbito del colorista y son el último paso de toda producción, son dos fases bien distintas. El etalonador (operador, colorista, junior o senior colorist…) es la persona encargada de eliminar los defectos de la imagen en el ámbito de las luces y sombras (contraste), el tono (color) y conlleva siempre un flujo de trabajo que hay que realizar para trabajar con eficiencia y no deshacer lo trabajado para no ir perdiendo tiempo, que al final el tiempo no deja de ser otra cosa que dinero que pierdes si no sabes administrarlo bien como en cualquier otro trabajo.
Estas correcciones de luces (contraste) y tono (color) son lo primero que se trabaja y son el 80%-90% del trabajo de un colorista ¿sorprendido?. En muchas ocasiones no hace falta más si el material que viene de cámara está bien trabajado en origen y el director del proyecto tiene claro lo que quiere. La corrección de color es o deber ser siempre muy sutil, siempre teniendo en cuenta el material con el que se trabaja. Conociendo las limitaciones del códec por ejemplo sabes hasta “dónde” puedes estirar determinada corrección o corregir posibles fallos de luz de una 5D, Arri, Go Pro o Epic con el uso de las curvas, bolas de color, curvas de tono, barras de contraste, printer points, saturación… ya que todas estas herramientas que están a nuestra disposición nos van ayudar a realizar las correcciones primarias, ya que partimos siempre desde lo general a lo específico de la imagen.
Esta corrección de color primaria siempre es sutil y no debe llamar la atención, ya que hablamos de cambios mínimos por norma general y hay que dejar la imagen como debería estar en cámara correctamente expuesta y con el balance de blancos correcto (en cámara hacemos el balance de blancos y en corrección de color balanceamos los clips que no tienen un balance de blancos correcto hecho en cámara).
Una vez superada la fase de corrección primaria, en la cual corregimos todos los posibles errores de contraste y tono de forma general en toda la imagen, se pasa a las correcciones secundarias en las cuales vamos a seguir corrigiendo errores que no son posibles de eliminar con las herramientas primarias y van a lo específico ya que no ha sido posible de corregir con una primaria. Por norma general se centra en herramientas como el cuentagotas, las viñetas o máscaras, efectos FX o plugins, blur, curvas de tono, saturación y luminancia, modos de fusión de capas y/o de distintos tipos de nodos… que nos ayudan a delimitar un tono, luminancia, saturación o zona específica de la imagen a corregir sin afectar al resto de la imagen que ya está correcta.
Un clip con dos temperaturas de color produce un look muy interesante y es muy usado en determinadas series, pero si no es “buscado” requiere de secundarias ya que al arreglar una temperatura de color con las primarias estropeas la otra. En las secundarias nos centramos en errores más específicos y con estas herramientas seguimos avanzando de lo general a los específico que no hemos podido solucionar con una primaria como las bolas de color, las barras de contraste y tono, curvas o los printer points.
Las secundarias por norma general se usan en su mayoría para crear grades o looks más “agresivos” una vez corregidos todos los errores aunque también las primarias, sobre todo las curvas, que son unas de las herramientas más potentes y fáciles de usar que hay y que menos ruido levantan por norma general.
A modo de resumen, la diferencia básica es que una corrección de color es la parte en la que se corrigen errores y el grade o look es la parte en la que se crea un estilo o look, una apariencia propia para ese proyecto que lo dote de personalidad, la parte creativa y más bonita. En una primaria por ejemplo siempre vas a eliminar un bluecast (dominante de color azul) y en una secundaria (una vez solucionados todos los errores) vas a poder crear ese bluecast por necesidades del look ya sea con primarias o secundarias.
Cuando la edición esta cerrada el último paso es la corrección de color, esto debe quedar claro, ya que si no podemos volvernos locos con la continuidad por ejemplo. Hay excepciones como añadir algún plano de última hora pero por norma general la corrección de color siempre es el último paso de todo trabajo, se “finaliza” el proyecto.
¿Porque hay que seguir un flujo de trabajo con la corrección de color? El básico es porque si nos lo saltamos estaremos estropeando la imagen de nuevo y tendremos que rehacer los pasos previos para corregir de nuevo la imagen. Esto ocurre debido a que el contraste si afecta al color pero el color no afecta al contraste, de ahí que siempre sea aconsejable en primera instancia trabajar el contraste de todos los clips y cuando esté todo el material con el contraste adecuado trabajar el color y hacer los balanceados de los clips. No tocar nunca el color hasta que el contraste esté correcto.
La forma de trabajar es ajustar nuestro nivel de negros (lifts, blacks, shadows…) los distintos softwares usan varias nomenclaturas para referirse a los negros y es básico saber dónde situar la señal de los negros de nuestro material. Para ello nos ayudamos de la referencia visual de los “scopes” y de un buen monitor de referencia perfectamente calibrado y ajustado con la señal “monitoreada” correctamente. No usar un letterbox por ejemplo como nivel de negros porque vamos a dejar nuestro clip con poco contraste y los tonos de piel en un nivel superior al que deberían es un ejemplo.
Después de los negros vamos a las luces. Los blancos o luces… los vamos adecuar al punto más blanco del clip. Hay que saber cosas como que el reflejo especular del metal o en los reflejos del mar si no usamos un filtro polarizado deben estar siempre reventados por norma general y no debes usar ese punto blanco del monitor de forma de onda como marca para los blancos porque estaríamos en el mismo error que con los negros y dejaríamos en este caso los negros y medios muy oscuros.
Hay que tener en cuenta que en los negros y blancos al final el que tiene la última palabra de dónde se “clipa” (corta) la señal es el operador, de ahí la importancia de desactivar broadcast safe y filtros o efectos que nos “clipan” (cortan) la señal ya que seremos nosotros dónde queremos situar el punto negro y blanco de nuestros clips y dónde clipar, no que lo haga el software, ya que los automatismos no siempre tienen en cuenta las variables. Cuando acabemos el trabajo es cuando ya debemos aplicar el filtro broacast safe, el plugin, el efecto etc para que cualquier negro, blanco, superblanco o saturación indebida no nos cause problemas y nos clipe toda la información fuera del rango legal, nunca antes.
Los midtones o medios es decir los tonos intermedios no son tan críticos como los negros y los blancos, pero nos permiten adecuar el contraste y tono de piel de la escena de forma fácil y rápida.
Una vez trabajado el contraste (negros-blancos-medios) si la señal y la imagen no está del todo fina, que es habitual al variar varios parámetros que se afectan entre ellos, volvemos a repetir el proceso: negros, blancos y medios hasta dejar el contraste adecuado de todos nuestros clips.
Hay que tener cuidado con el contraste ya que también afecta a la nitidez y más ahora que los archivos raw cada día más habituales (R3D, DNG… cada vez gozan de más popularidad y acabarán por ser el flujo de trabajo habitual como lo es en fotografía, ya que influye la acutancia como veremos más adelante).
Finalizado el trabajo del contraste de los clips pasamos a trabajar los balanceados para eliminar los posibles colorcast (dominantes de color no deseadas) que veremos en profundidad más adelante. Es importante añadir que en color no se suma o resta color. Como tal esta terminología no es correcta, en color se trabaja añadiendo complementarios, primarios, secundarios, color aditivo, substractivo, CMKY, Lab, RGB… Por eso a la hora de trabajar el color si queremos neutralizar un tono siempre debemos añadir el complementario. Azul-Amarillo, Rojo-Cyan, Verde-Magenta. Estos es importante conocerlo, es fácil de ver en el anillo de Newton o círculo de color como veremos. Hay colores primarios, secundarios, tríadas de color, análogos secundarios, terciarios… La herramienta clásica para ayudarnos a corregir las dominantes de color es el RGB Parade.
Por último se pasa a trabajar la continuidad, que es algo crítico a día de hoy, ya que cada vez se graba con más cámaras, con una cantidad grande de códecs diferentes que hacen que igualar el material entre todos los clips de un proyecto cada vez requiera más trabajo, ya que la calidad del códec de una P2 en temas de color supera con mucho a la hora de corregir a los de una GoPro o una HDSLR y cómo afecta sobre todo a las gradaciones y transiciones entre tonos (cielos empastados y muy saturados sin gradación tonal suelen ser habituales) o bordes y selecciones complejas de tonos. Si con la corrección de color ya tenemos listo el material trabajamos la continuidad y si ahora que ya hemos corregido todos los errores queremos crear el look nos dedicamos al look y una vez acabado el look finalizamos con la continuidad. Un ejemplo de herramienta es el Primary Out de Apple Color. Mucha gente dudaba de su utlidad, y no es otra que una vez finalizado todo el trabajo hacer los últimos ajustes de continuidad y que la señal sea legal.
Aunque no lo he comentado aun en la corrección de color se trabaja siempre en playback, no de forma estática igualando dos frames o trabajando sobre un cuadro fijo. Hay que ver como va evolucionando el material y las correcciones en playback. Una selección o una máscara que hay que animar o un tono o luminosidad que varia es habitual y siempre en reproducción, de ahí que el equipo habitual de trabajo requiera SSD, Raid, Ram, gráficas potentes… para trabajar con soltura.
Una vez finalizados estos pasos de corrección de color, contraste, balanceado de clips y continuidad básica, tanto con primarias como con secundarias, es cuando pasamos a trabajar el look, la parte creativa y más bonita. Aquí cualquier herramienta es válida para crear un look, una primaria, una secundaria, las curvas, el reductor de ruido para difuminar imperfecciones de la piel, viñetas, filtros, cuentagotas, mascaras… hay una gran cantidad de herramientas para ello.
Para la corrección de color en la cual corregimos errores hay un par de herramientas que son básicas en todo software y de gran ayuda. Uno son los Scopes y el otro los still. Son herramientas que nos van ayudar a trabajar de forma rápida mostrando la señal correcta en una pantalla correctamente calibrada con una señal bien monitoreada desde nuestra workstation y la otra a visualizar en el visor y los scopes la información y la imagen de otro clip de referencia.
Otra herramienta unida a los sopes son los stills. Los stills son frames de tu proyecto (DPX, JPG, TIFF, Cineon) que en la mayoría de softwares puedes activar en el visor dividiendo la zona de la pantalla de visualización y de los sopes para ayudar a trabajar la continuidad o corregir posibles errores más concretos. Veremos como los MFO también se dividen cuando acitvemos un still en nuestro visor, así podemos ver la señal de ambos clips para trabajar cómodamente la continuidad entre clips de un mismo plano o secuencia. Los stills también sirven para exportar un tiff, jpg o png… para mandar referencias visuales al director para que vaya indicando que look prefiere y sobre cual trabajar.
Como referencia visual usamos los monitores de forma de onda: El waveform monitor Parade, Luma, RGP Parade, Vectoroscope, Histogram, 3D Scope… estas herramientas nos ayudan a trabajar de forma rápida el contraste, el tono, ver posibles colorcast, la saturación, el tonal range o que la señal sea legal y hay que saber leer e interpretar la información que se visualiza en ellos, ya que es de gran importancia para cualquier corrección.
- ¿Editor o programa específico?
Por un lado hay que distinguir entre los editores no lineales y los programas específicos de corrección de color. Los NLE vienen en su mayoría con más o menos opciones de corrección de color, como son FCP X, AVID, Premiere, Edius, Lightworks, Sony Vegas… pero habitualmente a la hora de trabajar no deja de ser un filtro o conjunto de filtros, efectos o herramientas en general con más o menos opciones. Los programas de corrección de color tienen una serie de herramientas específicas, más desarrolladas y con mayores opciones para afrontar los proyectos con más garantías y sobre todo aportar una mayor velocidad a la hora de trabajar si se saben usar, como pueden ser los keyframes para animar los efectos de formas más complejas que en un editor, un tracking mucho más potente, viñetas personalizadas, efectos más complejos, mejor “keyer” o cuentagotas, más posibilidades de render, scene cut… Dicho esto no está todo perdido, ya que hay que saber “leer” el proyecto con el que se trabaja y hay muchas ocasiones en que las herramientas del editor serán una buena opción y no hace falta volverse loco con un “roundtrip” entre tu editor favorito y tu programa de corrección de color habitual para poder trabajar el color, ya que con tu editor vas a poder hacer una primera puesta a punto o finalizar el proyecto, ya que la línea que separa los NLE de los softwares específicos de corrección de color cada vez es más fina.
Hay cortos editados y finalizados en cuestión de color en FCP X, Avid, Premiere o la reciente nueva versión de SonyVegas (que incorpora la opción de Lab Color a su editor con todo lo que ello siginifica para la corrección de color de poder trabajar con los canales Lab) además de plugins para distintos NLE como los de Red Giant, Natress o Baselight que funcionan de maravilla y hacen más accesible la corrección de color.
Además están los “Big Iron”, programas con un nicho muy específico de mercado, algunos de estos softwares además de la corrección de color tocan temas más profundamente como el 3D o la composición, programas “all-in-one” o de finalización como Mistika, Scratch, Baselight, Nucoda, Lustre, Flame, Pablo, Rain, Smoke… cada vez son más accesibles al gran público siguiendo el camino que comenzó Apple Color y ha continuado DaVinci Resolve o el renovado Speedgrade de Adobe, ya que las grandes marcas están sacando versiones de software de muchos de sus hardwares o versiones de su software de licencias de estudiantes como ha hecho SGO con Mistika o el nuevo Pablo Rio, Baselight para FCP y Avid, DaVinci Resolve Lite por citar algunos que han abierto la corrección de color a todo el mundo, siendo más accesible que nunca, aunque como siempre hay que tener cuidado, pues además del software conlleva un gasto detrás en el tema de equipo, monitores, pantallas, tarjetas, tabletas de color, etc etc.
Lo que hay que tener claro es la finalidad del proyecto que tenemos entre manos ya que en función de esto se debe decidir que herramienta es la que necesitamos y la que mejor se adecua al proyecto dentro de las posibilidades de ese trabajo ya que hay proyectos que con un NLE van sobrados y otros que requieren de algo más específico.
Esto es todo por hoy.
© Miguel Cobo
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